在AI時代，音樂行業比任何時候都更需要珍視創作的主體性與獨立性。獨特個體與深度作品的涌現，需要一個尊重創作規律、能夠對抗短期主義的健康生態，也唯有那些源自真實生命體驗、帶著“人”的溫度與思考的誠實表達，才能穿透時間的重重迷霧。

讀娛 | yiqiduyu

文 | 小娛兒

音樂產業正經歷著雙重提速。

其一，是AI推動生產端的效率加速，音樂創作周期極大縮短。其二，是消費端的注意力碎片化，短視頻將旋律壓縮為十余秒，音樂正失去作品表達的完整性。

但是，AI與短視頻并沒有“殺死”原創音樂，只是不斷篩選著“短期愉悅”。在這場效率至上的洪流中，仍有人選擇把時間留給長期創作。截至2025年底，網易云音樂入駐原創音樂人突破100萬。網易云也將歷時多年的“硬地原創音樂榜”，正式升維為 “硬地原創音樂獎” 。

當技術讓生產變得無比輕便，我們評判“好音樂”的標準是否有了改變？那些需要時間沉淀的個體感知與時代旋律，又該如何被看見和衡量？這份特殊的年度提名名單，或許正是回答這些問題的開始。

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速食時代，原創音樂更有“嚼頭”了？

傳統流行榜單往往代表大眾的當下情緒，硬地原創音樂獎的入圍名單，則更像一份關于華語原創音樂的“現狀切片”，顯現出音樂產業的幾大趨勢。

趨勢一，是前浪后浪的代際同臺。前輩與新人同時提名背后，是原創音樂行業的代際傳承與共生。在“最佳搖滾專輯”的提名中，既有成立近30年的P.K.14的新作《我們的樣子》，也有初露鋒芒的紅髮少年殺人事件的新作《BRUTAL GIRL DELUSION》。

P.K.14&紅髮少年殺人事件

在整體向“流行效率”收攏的市場環境里，來自不同世代的審美經驗、創作方法與情緒密度，共同構建了一個能夠超越短期流量周期的場域。

趨勢二，獨立音樂創作的內核，仍然是聚焦自我探索。相較于討好和迎合市場，范曉萱、祁紫檀、施鑫文月等音樂人的作品，都呈現出強烈的自我表達傾向，音樂人們更多將創作視為自我勘探的工具，是自我沉淀的藝術品，并非寫給市場的內容，這本身就非常“獨立音樂”。

趨勢三，是融合。當代原創音樂的一個很妙的變化，是風格邊界的松動。隨著公眾聆聽專業性與審美判斷力的不斷提升，當下優秀的原創音樂，正越來越難以被單一的流派標簽所定義，音樂風格正成為服務于個性化表達的載體。

比如提名“年度專輯”的陳嫺靜，其作品《如果每天都可以 happy happy 誰想要sad:)) - 一起去度假》便跳脫了傳統說唱的框架，以松弛的念白與多元的編曲，拆解并重塑了說唱形態。這種對音樂流派的拓寬與融合，也是當下的潮流縮影。以說唱為例，從艾志恒Asen、華云龍扎根于方言敘事的本土表達，到夏之禹和地磁卡通過合作說唱專輯突破自我，再到陳一豪等音樂人對旋律說唱的探索，說唱風格正在以創作者獨特的觀察視角被拓寬延展。

陳嫺靜

獎項設置本身也洞察并回應了這種趨勢。相較于傳統音樂榜單界限清晰的類別劃分，“硬地原創音樂獎”設立了如“年度合作歌曲”“最佳都市律動”“當代流行”等更具綜合性與包容性的獎項維度。要知道，這在過往音樂獎項中大概率會被整合為“年度最佳”。

這些維度顯然從“表達效果”出發，而非“類型歸屬”，它讓行業更準確地捕捉那些流動的、復合型的美學。就如落日飛車的專輯《QUIT QUIETLY》與DEN的《blu-night》均入圍“最佳都市律動專輯”，恰恰說明風格正在讓位于表達本身。

趨勢四，是地下音樂人正形成“小圈層革命”，自下而上地引發一場審美變革。比如2z2、ProN4c、Yaka、FiFi Zhang等Z世代音樂人，他們正以高度個人化的創作、融合先鋒的電子編曲，在特定圈層率先構建起堅固的審美領地。

由ProN4c獨立完成的《植物神經紊亂》入圍“最佳電子/舞曲專輯”，他將腦神經喻為“過載的老式電腦”，試圖用Hyperpop、Digicore剖析Z世代的集體焦慮。在專輯下最常見的評論之一，就是路人好奇“這到底是什么風格？”這種始于好奇、終于“入圈”的審美路徑，正逐漸經由圈層滲透，拓寬著大眾的音樂審美邊界。

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不被定義，是原創音樂的新表達？

每個年代都有屬于它的音樂頻率，從硬地獎的提名里，可以清晰感受到原創音樂多年來的變與不變。“不變”的是持續性的創作者本位；“變”的則是順應時代流動下，不同代際、不同創作位置的音樂人，共同發生的感受遷移與表達更新。

如果按創作階段來觀察，這種變化會顯得更加具體。其一，是仍在持續“冒險”的樂壇前輩們。

范曉萱&100%樂團跨越12年后重新聚在一起，打造了《過客》專輯，既是對90年代的致敬，也是一次徹底回到創作者本位的實踐。這是范曉萱第一次親自完成整張專輯的混音，她在采訪中提到，整個過程幾乎是“邊學邊做”，這種不設限的實驗精神，也延伸到了創作本身，專輯內《出門記得要帶口罩》這樣極具生命力的作品，便誕生于樂隊即興的Jam現場。

范曉萱&100%樂團

此外，張震岳的《跟著感覺走》仍像是在普通人的故事現場“寫生”，而陶喆的《STUPID POP SONGS》是在經歷無數次自我顛覆后的又一次突破，這些前輩們用行動反復證明，創作的生命力來自永不停止的自我探索，也正是這種創作語言的獨立性，使其成為原創音樂場域中的核心力量。

其二，已建立起個人音樂體系的中生代，正在成為市場的中流砥柱。以裘德為代表的中堅力量，已經構建起一套辨識度極強的音樂美學乃至表達系統。入圍“年度專輯”的《離開銀色荒原》，呈現出一種成熟穩定又獨屬裘德的審美。裘德的作品總是游走在音樂敘事、流行旋律與藝術化編曲之間，“想讓裘德唱音樂劇”也成了評論區的高頻呼聲。這樣的完整敘事，是他從第一張專輯開始就持續搭建的表達系統。

同樣作為中堅力量的DOUDOU，憑借獨特嗓音與細膩的編曲制作，在復出后迅速積累了超過百萬的忠實樂迷，并入圍“年度突破音樂人”，建立了極具辨識度的個人音樂風格。

音樂人們的審美碰撞也相當精彩，《變色龍》里“變弗洛伊德、變干炒牛河”的無厘頭表達，展示了裘德和吳青峰兩個創作者的絕妙審美對話。

其三，無法被定義的時代新聲，構成一種難以預判、令人驚喜的時代特征。

比如憑借作品《Don't Kill Tom》入圍“最佳都市律動專輯”的黃業圓，其單曲《Bad Time, Bad Works》稱得上是一首“不合邏輯”的作品，抽象、喧鬧，充滿出其不意卻又極具藝術探索性，用黃業圓的話來講，“負責任地說，你沒有聽過一首像這樣的歌”。

黃業圓

而入圍“最佳民謠專輯”“年度新聲”的海尾巴，通過福佬話擺脫了傳統民謠套路，頗有“舊歌新唱”的風格。這些無法被定義的力量，最終匯聚成一種獨特的時代氣質。

外面的世界如何斗轉星移，獨立音樂的內核似乎始終是“創作者本位”，樂壇前輩們不依賴傳統的創作配方，新人也不急于迎合市場需求，放到華語樂壇的語境里，在充斥“命題作文”和算法偏好的市場中，真實表達才具備穿透時間周期的力量。

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滋養“慢創作”

原創音樂需要怎樣的生態托舉？

在AI時代，原創音樂面臨的根本性挑戰，是如何為“慢創作”提供生存空間。

要讓“慢創作”在快節奏的時代里生根發芽，原創音樂首先需要被看見。網易云音樂在過去11年里，幾乎是以一種“行業基建者”的姿態，完成了從0到1的生態建設。

這個生態始于對新人的發掘。從2016年的“石頭計劃”開始投資孵化原創音樂人，到2018年通過“云梯計劃”提供持續的收入分成與流量扶持，平臺由此為創作者解決生存與起步問題。

這種支持更深入到創作的源頭，2022年，網易云音樂上線了一站式Beat交易平臺“BeatSoul”，并舉辦業內首個聚焦幕后編曲人的大型評選。隨后推出的“BEATSOUL激勵計劃”，讓編曲人的作品也能享受播放版稅分成，從產業上游為原創音樂夯實了人才與創意的根基。

而“硬地”系列IP的演進，在這當中持續起到拓寬并托舉音樂良性審美的作用。從2018年的線下盛會“硬地圍爐夜”，到持續至今的每月推薦好作品的“硬地原創音樂榜”，再到如今升維為更權威的“硬地原創音樂獎”，這一系列動作，共同構成了一個尊重創作規律、對抗短期主義的長期價值體系。

其次，原創音樂需要被允許有一條“非線性”的成長路徑。平臺的價值，在于為這種“慢熱”提供初始的曝光和生長的耐心。具體而言，“硬地原創音樂獎”是通過構建一個由音樂制作人、媒體和自身樂迷共同組成的評審機制，“打撈”起那些數據不顯眼但品質突出的作品。

裘德

“打撈”更多聚焦的是作品的長期價值。2018年入選石頭計劃第二季的裘德，之后多次收獲了金曲獎最佳男歌手提名；蛙池的《河流》在2020年首次上榜“硬地原創音樂榜”，并在此后正式被大眾市場看見；房東的貓獲選平臺2018原創盛典的“年度新人”，后于2023完成萬人演唱會。包括新褲子、刺猬等樂隊破圈之前，早已在網易云音樂擁有了自己的樂迷討論陣地。這些案例都印證了，在算法熱度之外，始終存在一條依靠作品生命力穿越周期的路徑。

最后，平臺的更高價值，不止于發現個體，更在于通過精良的企劃，為多元表達提供命題和空間。例如網易云音樂發起的 “人生BGM”系列企劃也入圍了本屆硬地獎“年度企劃”，通過《愛的復調》與《自我即興》上下篇章，為全世界不同文化背景的優秀原創音樂人提供交流的場域，碰撞出如babychair與周筆暢合作的《命中注定》，以及Phum Viphurit和9m88合作的《失眠航班》等等優秀作品。這也是用好企劃激發好創作，并獲得行業認可的證明。

在AI時代，音樂行業比任何時候都更需要珍視創作的主體性與獨立性。獨特個體與深度作品的涌現，需要一個尊重創作規律、能夠對抗短期主義的健康生態，也唯有那些源自真實生命體驗、帶著“人”的溫度與思考的誠實表達，才能穿透時間的重重迷霧。

THE END