作為20世紀意大利最具影響力的畫家之一，喬治·莫蘭迪（Giorgio Morandi，1890-1964）最廣為人知的，或許就是“莫蘭迪色”以及畫布上反復出現的瓶瓶罐罐。6月16日下午，由浦東美術館與意大利博洛尼亞莫蘭迪博物館共同主辦的“喬治·莫蘭迪：獨白”特展在上海開幕，展覽匯集140余件莫蘭迪原作及逾200件展品，也是21世紀以來最完整、最系統的一次莫蘭迪作品的呈現。

“‘獨白’是理解莫蘭迪最重要的關鍵詞。它首先意味著這是一次莫蘭迪個人展，但更重要的是，它指向莫蘭迪的一生。本次展覽最重要的線索之一，正是呈現他的轉變，看到他如何逐漸放棄對各種藝術流派的興趣，最終把注意力轉向自己的內部世界。”莫蘭迪博物館館長、展覽聯合策展人洛倫佐·巴爾比（Lorenzo Balbi）接受《澎湃新聞｜藝術評論》專訪時所時說。

通過油畫、版畫、水彩、文獻與工作室原物，展覽試圖還原這位20世紀意大利藝術家的創作軌跡。正如洛倫佐·巴爾比所說：“莫蘭迪的靜物畫超越了物體本身的描繪，它們是形式與體積的構成，引導觀眾進入另一個世界。”

喬治·莫蘭迪《靜物》，1956年（V. n.985）布面油彩30厘米 × 45厘米意大利博洛尼亞市，博洛尼亞市政博物館管理局，莫蘭迪博物館

喬治·莫蘭迪（Giorgio Morandi，1890-1964）

莫蘭迪終生未婚，大半生居住在博洛尼亞馮達扎街的住宅里，與三個妹妹共同生活。他很少旅行，也極少參與藝術圈的社交活動。即使已經成為國際知名藝術家，他仍然把大部分時間留給自己的工作室。

展覽現場，莫蘭迪妹妹的肖像畫，其中，完成于1921年的《妹妹肖像》（左一），此前從未公開展出，此次展覽是這幅作品的史上首次亮相。

但巴爾比強調，莫蘭迪的“獨自”并不意味著與世界隔絕。只是，在20世紀藝術史不斷被各種“主義”定義的時代，莫蘭迪顯得格外特殊。他既不是未來主義者，也不是立體主義者，更不是形而上畫派成員。某種意義上，他始終保持著獨立而孤單的姿態。

因此，“獨白”也像音樂中的獨奏（solo），只有藝術家與自己持續不斷地對話。

展覽現場

從塞尚到瓶子：莫蘭迪如何成為莫蘭迪

進入展廳，首先看到的是莫蘭迪的自畫像，以及他給妹妹的畫像。這件現藏于佛羅倫薩烏菲齊美術館的自畫像，是他一生僅七幅自畫像中的一幅，也是他1924年創作的三幅自畫像之—。在此，藝術家筆下的自己以正面示人，坐在畫架前，手握作畫工具。盡管其目光投向觀者，卻未形成真正的交流：那雙沉入陰影的眼睛似乎在回避任何心理層面的探視。

展覽現場，莫蘭迪1924年的《自畫像》，烏菲齊美術館藏

然而，整場展覽，似乎就是觀眾試圖走入莫蘭迪的過程，講述他如何在極其有限的對象中創造出無限變化。

在展覽的前幾個部分，呈現的是一個仍在尋找方向的年輕莫蘭迪。

“很多人以為莫蘭迪從一開始就是莫蘭迪，其實并不是這樣。”洛倫佐·巴爾比說。1910年代至1920年代，莫蘭迪始終在尋找自己的藝術道路。他研究塞尚，也關注同時代歐洲先鋒藝術的發展。未來主義、立體主義、形而上繪畫，都曾進入他的視野。

展覽現場，《風景》，1913

展覽中一件創作于1914年的作品尤為引人注目。畫面中的瓶子與石塊被拆解、重組，以不同于傳統透視的方法組織空間，明顯帶有立體主義實驗色彩。“這是莫蘭迪以一種全新的方式理解和呈現物體的嘗試。”巴爾比說。

展覽現場，莫蘭迪1914年的作品《靜物》，帶有布拉克“立體主義”的痕跡。

但這種實驗持續時間極短。據研究，大約僅僅兩個月之后，莫蘭迪便開始遠離這種語言。

巴爾比認為，本次展覽最重要的線索之一，正是呈現這種轉變。觀眾將看到一個不斷吸收外部影響的年輕藝術家，如何逐漸放棄對各種藝術流派的興趣，最終把注意力轉向自己的內部世界。

喬治·莫蘭迪《靜物》，1949年（V. n.691）布面油彩，36厘米 × 45.2厘米意大利博洛尼亞市，博洛尼亞市政博物館管理局，莫蘭迪博物館

他的一生幾乎都在重復同樣的題材。同樣的瓶子、同樣的罐子、同樣的桌面。甚至連風景畫，也往往來自同一扇窗戶。如果說展覽前半部分講述的是莫蘭迪如何找到自己的語言，那么中段則試圖回答另一個問題：為什么他一生都在畫同樣的瓶子？答案或許可以用巴爾比提出的一個詞來概括——“變奏曲”。

展覽現場，鏡像出現的《靜物》左為1960年、右為1961年所作。

展廳中，兩組《靜物》成對出現。第一眼看去，它們幾乎一模一樣。其中，分別繪于1960年和1961年的一組《靜物》成鏡像，1951年的一組僅多了一個瓶子。“它們可能只相隔一兩天完成。”巴爾比說，“但正是在這里，你會理解莫蘭迪。”

增加了一個瓶子，整個畫面的關系隨之發生改變。與此同時，莫蘭迪還調整了觀看視角。桌面比例變少了，地平線位置發生變化，空間的穩定感也因此改變。看似只是微小改動，卻讓畫面擁有了完全不同的氣質。巴爾比將這種方式比作音樂中的變奏。“就像改變一個音符的位置，整首樂曲都會不同。”

喬治·莫蘭迪《靜物》，1951年（V. n.783）布面油彩，39厘米 × 45厘米意大利博洛尼亞市，博洛尼亞市政博物館管理局，莫蘭迪博物館

喬治·莫蘭迪《靜物》，1951年（V. n.788）布面油彩，36厘米 × 40厘米意大利博洛尼亞市，博洛尼亞市政博物館管理局，莫蘭迪博物館

事實上，這種微小差異構成了莫蘭迪創作最核心的部分。他似乎在不斷追問：如果多放一個瓶子會怎樣？如果轉動桌布呢？如果改變背景方向呢？如果讓光線再偏移一點呢？

展覽現場，不同年代的“白色螺紋瓜楞瓶”，在其中感受不同的“白”。

于是，一只“白色螺紋瓜楞瓶”自1932年后，反復出現在莫蘭迪的筆下。這是一只它總是近乎孤立地出現在畫面中，帶著不同的白色。

展覽現場，“白色螺紋瓜楞瓶”部分

展覽現場，近乎孤立的“白色螺紋瓜楞瓶”

在別人看來近乎重復的畫面，對于莫蘭迪而言，卻是一系列關于平衡、秩序與空間關系的實驗。巴爾比對澎湃新聞說，莫蘭迪真正關注的從來不是最終完成的作品，而是創作本身。

喬治·莫蘭迪《靜物》，1962年（V. n.1280）布面油彩，35厘米 × 35厘米意大利博洛尼亞市，博洛尼亞市政博物館管理局，莫蘭迪博物館

“把觀眾帶進莫蘭迪的工作室”

與以往國內莫蘭迪展覽相比，此次浦東美術館展最大的特點，或許在于它不僅展出作品，更試圖重建藝術家的世界。

展覽現場，作品與實物同展

展廳中出現大量來自莫蘭迪工作室的真實物件。那些觀眾在畫中反復看到的瓶子、花瓶、人造花和錫罐，畫中的對象與現實中的對象并肩出現，甚至莫蘭迪的調色盤和所用的顏料粉，也在展覽中陳列。

展覽現場，莫蘭迪所用的調色板、顏料、畫筆等。

“莫蘭迪習慣親手制作他自己的顏料和色彩，在那個發明了管狀顏料的年代，他依然堅持這種方式。他過去常常請求去倫敦的人幫他帶顏料回博洛尼亞。”在展覽現場還可以看到一些畫筆，以及他過去為了作畫是如何用剪刀修剪畫筆的。“他之所以要修剪畫筆，是為了讓筆尖變得更加鋒利、更加精準。顏料盤呈現出非常干凈、簡潔的風格，暗示了藝術家在色彩運用上的某種思考方式。”與此同時，莫蘭迪創作版畫時使用的印壓機也離開博洛尼亞，首次在海外公開展出。這件重要文物自1993年以來從未離開意大利。“我們希望把觀眾帶進莫蘭迪的工作室。”巴爾比說。

展覽現場莫蘭迪創作版畫時使用的印壓機

莫蘭迪銅板和銅板畫同展，左邊的銅板一直壓在妹妹的床板下，因為意大利傳統中認為，床底板下放一塊銅板，不會腰疼。直到莫蘭迪走了之后，妹妹才想起來自己床底板下的銅板。后工作人員拿出來印了第一幅，就是右邊這幅。

此外，在美術館一樓展廳中，工作室歷史照片、莫蘭迪收藏的書籍、書信等文獻，共同構成一個更完整的莫蘭迪形象。

一樓展廳現場

在浦東美術館董事長（館長）李旻坤看來，莫蘭迪之所以能夠持續吸引中國觀眾，或許正因為其藝術與中國傳統美學之間存在天然共鳴。他的繪畫并不追求照相機式的再現。他關注的是對象背后的精神狀態，以及留白、節制和意境。這種對于“寫意”的追求，與中國繪畫傳統中的審美觀念有著微妙的相通之處。

喬治·莫蘭迪《風景》，1936年（V. n.215）布面油彩，46厘米 × 61.5厘米意大利博洛尼亞市，博洛尼亞市政博物館管理局，莫蘭迪博物館

巴爾比也注意到這一點。他提到，莫蘭迪的工作室陳列有中國藝術的書籍，并關注中國繪畫傳統。因此，他相信中國觀眾會以不同于歐洲人的方式理解莫蘭迪。

喬治·莫蘭迪，《風景》，1957年（P. 1957/9）紙本水彩，16.1厘米 × 20.6厘米意大利博洛尼亞市，博洛尼亞市政博物館管理局，莫蘭迪博物館

晚年，因為身體和視力原因，莫蘭迪較多創作了水彩作品。在一件莫蘭迪去世前一年（1963年）創作的水彩作品中，莫蘭迪以更加抽象的方式作畫，觀眾不再能夠清晰地辨認物體，也不再能準確把握其具體形態。

1963年莫蘭迪以水彩繪制的靜物。

“畫面中的桌面幾乎消失了，那些器物仿佛漂浮在空間之中。那些物體逐漸從真實存在轉變為一種關于物體的觀念、一種抽象的形象。”巴爾比說，“此次展覽挑選了一些特別的作品，并將它們作為理解莫蘭迪藝術和工作方法的重要線索，希望借此幫助觀眾進入他的創作世界。”

·莫蘭迪1952年的《靜物》與素描稿、實物同展

喬治·莫蘭迪，《靜物》，1952年（V. n.823）布面油彩32厘米 × 48厘米意大利博洛尼亞市，博洛尼亞市政博物館管理局，莫蘭迪博物館

當一個生活在20世紀博洛尼亞、終日面對瓶子和窗戶的藝術家，跨越一個世紀來到黃浦江畔時，人們依然能夠從那些安靜的畫面中，感受到關于時間、觀看與內心秩序的思考。

在這個強調速度的時代，莫蘭迪留下的或許恰恰是一種緩慢的力量。

6月16日，展覽開幕儀式

展覽將持續至2026年10月