暮色。法語中也叫作“entre chien et loup”——那個熟悉變得陌生、事物開始模糊的臨界時刻。這是愛馬仕女裝藝術總監Nadège Vanhée鋪設的第一個線索。她也曾用“tandem”（協同）而非“dichotomy”（二分法）來形容自己的設計觀，即一個女人可以同時裹挾著矛盾，不被“非此即彼”的定義所困。

很顯然，Vanhée 愛洛杉磯。“這里有著舊歐洲的影子，又融合了新世界的氣息，”她在后臺這樣說道，“在這里你可以重塑自我，可以探索一切。”這番描述恰好呼應了加州作為“可能性之地”的永恒神話。這片瀕臨太平洋的大陸西緣，從來都是重新開始的代名詞。

當秀道盡頭響起由 Frederic Sanchez 混音的 Kim Carnes 名曲《Bette Davis Eyes》：

“Her hair is Harlow gold,

Her lips sweet surprise,

Her hands are never cold.”

理解一個愛馬仕女性的秘密，也許就在這一刻：幾步之間，你看到的不只是時裝，還有她面對世界的態度，以及她所做出的選擇。

“我不喜歡把女性變成‘景物’的設計。“我設計的衣服，是讓女性去生活的。”這是Vanhée的設計基石，也是理解愛馬仕女性氣質的第一把鑰匙。她的理念明確：服裝應支撐，而非束縛。

這一理念正體現了愛馬仕制衣工藝的精髓。在過去的Collection Hors-Série中，Vanhée將古老手工藝技術注入當代設計：精細刺繡、蕾絲制作、織造、珠飾與絲絨花邊工藝，這些在法國各地隱匿工作室中延續的手藝，也成為她為未來鋪路的方式。

本季的亮點是絎縫工藝。在愛馬仕的世界中，絎縫不再僅僅是實用技術，而是升華為雕塑般的裝飾語言，它承載著馬鞍工藝的傳統，同時融入高級時裝的美學追求。從絲質斜紋綢到精致皮革，絎縫貫穿整個系列，成為功能與柔美之間的敘事線索。

設計細節上，交叉裹身針織衫溫柔包裹并承托身形；緞面裙裝的緄邊精致勾勒曲線；羅緞絲帶可隨意系解。Vanhée的女性知道：衣服是庇護所，而不是束縛。模塊化與可轉換的思想深植于每件衣服中，讓穿著者成為主動者，而非被動接受者。

亭閣中，制衣工藝與舞蹈藝術交織。Vanhée將私人記憶與城市神話縫合在一起。童年時期對芭蕾的迷戀，賦予了系列關于身體、平衡與動作的思考；而洛杉磯則提供了另一層敘事背景，這里既有舊好萊塢的銀幕魅影，也有加州永遠向前的自由精神。

于是，“地平線上的輪廓” （SILHOUETTES ON THE HORIZON）不只是一個系列名稱，更像一種狀態：愛馬仕女性不是被觀看的對象，而是主動生活的人。

“性感不在于裸露，而在于當你把手放進大衣口袋時，觸碰到的柔軟皮革。”這是理解愛馬仕女性的另一個維度。

她的性感從不來自刻意的展示，而源于身體與衣物之間那種親密、默契的關系。它藏在皮革貼合掌心的溫潤觸感里，也藏在裙擺掠過腿際時留下的流動痕跡中。

裙裝成為本系列真正的主角。探戈紅、帝國綠與金黃色緞面在秀場上依次展開，在Vanhée一貫克制的色彩譜系中迸發出光芒。她偏愛瀝青灰、柏油黑、泥土棕、牛血紅與青銅綠這些深邃的底色，而本季卻如洛杉磯的暮色——從溫暖的落日色緩緩過渡到酒紅、森林綠與深海藍。

這些裙裝的靈感，直接來自芭蕾舞鞋。精致的緄邊勾勒身體輪廓，胸前的抽褶呼應舞鞋柔軟的結構。它們不是為舞臺而生的戲服，更像是舞者離開排練廳、步入日常生活后，依然在身上繼續流動的衣服。正如Vanhée所言：“我想創造優雅但也舒適的服裝。我會考慮動作的自由，以及形式的自由。”

自由，正是這些裙裝真正的設計核心。輕盈的垂墜、流動的褶裥，以及恰到好處的結構支撐，都服務于身體本身。裙子的每一道線條，不是為了塑造某個理想化的形象，而是在回應一個更實際的問題：穿著者能否自在地呼吸、行走、伸展，甚至奔跑。

這種對身體自由的思考，貫穿了Vanhée進入愛馬仕以來的創作脈絡。

在2026春夏系列中，她曾將愛馬仕標志性的絲綢方巾轉化為輕盈的連衣裙與短褲，以皮革結構承托絲質斜紋綢，而在本季，這種探索被進一步推進——標志性的絲綢陽光TATTOO方巾不再只是配飾，而是成為服裝本身的一部分。

經過抽褶、收攏與垂墜處理后，絲綢仿佛從中心被輕輕托起，再自然傾瀉成層層褶裥。與此同時，從原始絲綢到雙面貼合，再到創新絎縫工藝的運用，原本輕盈柔軟的面料獲得了更加豐富的結構感，Vanhée最擅長的，或許正是在這兩極之間找到平衡。

在愛馬仕的世界里，皮革是一種語言。本季，Vanhée重新書寫了這種語言。她讓皮革掙脫了人們對奢華材料的固有想象——不再強調堅硬、厚重或權威，而是呈現出一種更柔軟、更貼近身體的存在。

手套皮級別的光亮羊羔皮，有著近乎鏡面的光澤，卻絲毫不顯僵硬。隨著身體移動，它自然地彎曲、舒展，如同第二層肌膚，跟隨穿著者的每一個動作。與此同時，源自愛馬仕馬具傳統的馬勒革也被引入成衣設計。這種原本用于制作馬具的皮革，會隨歲月逐漸形成獨特的光澤與紋理——每一次穿著，都成為材質繼續生長的過程。

這種關于時間與身體的思考，也在本季反復出現的絎縫工藝中延續。

絎縫，最早源于騎手與馬匹之間的實際需求。鞍墊上的絎縫結構提供支撐與緩沖，而到了Vanhée手中，這項功能性技術被轉化為一種具有雕塑感的設計語言。從絲質斜紋綢到頂級皮革，原本平面的材料被賦予立體輪廓，在光線流動之間呈現出豐富的層次。

一件絎縫皮革大衣，便是這種思考的縮影。隱藏于背部的拉鏈，可以打開外層結構，露出內部可拆卸的絎縫內襯；而這件內襯本身，又能作為一件獨立外套單獨穿著。Vanhée將這種設計理念稱為“模塊化即是永恒”。在她看來，一件衣服不應只有一種固定的答案。真皮與毛氈的組合、外層與內襯的轉換、結構與功能的重新編排——這一切都在給予穿著者更多主動權。服裝不再是沉默的物件，而是一種能夠隨著生活不斷變化、不斷重組的伴侶。

這種自由，也構成了她對于性感的理解。無論是毛氈與皮革結合的深V禮服，還是通過布洛克雕花、繩圈與流蘇勾勒出的身體輪廓，Vanhée始終避免將性感導向直接的裸露與張揚。她更在意的是力量與柔軟、克制與釋放之間的平衡。正是這種同時容納多重特質的能力，讓皮革成為愛馬仕女性最恰當的隱喻——復雜、獨立，柔軟亦剛。

“我們在尋找一片天空，”Vanhée說道，“因為它與開闊的地平線緊密相連，像大海的召喚，也像遠方彼岸的許諾。”加州作為“可能性之地”的說法早已耳熟能詳，但這一次，那種想象真實地落在了衣服上。這是很長一段時間以來，Vanhée最自由的一個系列。而這種自由，并非來自更大膽的設計語言，而是來自一種更堅定的女性立場。

當我們試圖理解一位愛馬仕女性時，我們理解的從來不只是那個穿著精致時裝的人。我們理解的是一種存在方式：她拒絕被單一身份概括，也拒絕被任何固定角色束縛。

時尚界曾對女性衣著做出太多非此即彼的預設：要么是布爾喬亞式的優雅，要么是反叛的搖滾之女；要么袒露身體，要么完全隱匿自我。但Vanhée筆下的女性從不需要在其中做出選擇。正如她所說，女性不該成為被觀看的“景物”。她的存在即是是主體。

這也是愛馬仕始終迷人的原因：在一個追逐速度、潮流與即時話題的時代，它依然相信服裝首先服務于穿著者本身。女性不是為了被凝視而存在，而是為了行動、探索、創造與生活而穿著。

秀場最后，夜幕緩緩降臨。垂褶刺繡禮服在黑色緞面與深邃天鵝絨的映襯下熠熠生輝。繁星點點的夜空下，舞群定格成一幅生動的畫卷，但一切并未就此停滯。

這或許是理解愛馬仕女性的最后一步，但你無法僅用有限的幾步去理解一個拒絕被賦予定義的人。因為她從來不是一個固定答案。她更像一片地平線，心之所向，永遠在更遠處。

編輯：Tristan

撰文：王懸

設計：小乙