彩鈴歌手歡子怒懟評委、白小白梁源流量罵戰、張信哲表情管理失敗、岳云鵬上音綜打圓場、梁源發文懟吳克群……

一開年，《有歌2026》就讓音綜圈熱鬧了一把，但奇怪的是，冷眼并沒有看到多少對于舞臺的討論，反而鋪天蓋地的都是評委和選手的罵戰。觀眾抱著對張信哲、譚維維、劉宇寧等一眾實力歌手的期待而來，卻滿屏都是對于節目drama現場的吐槽。

這勾起了冷眼的好奇心。其實早在《有歌》第一季，冷眼就關注到了這檔節目。但在當時，節目模式較為常規，沒有太多值得拿出來說的點，冷眼也就沒有單獨拎出來去寫。

第二季煥新歸來，怎么就成了開年爭議最大的音綜？冷眼今天和大家一起聊一聊。

一檔標準的老衛視音綜

打開《有歌》，撲面而來的是一種熟悉感：實力歌手與新生代音樂人的配對競演、專業評委團的辛辣點評、精心設計的舞臺效果、刻意營造的緊張懸念……這幾乎是一檔標準衛視音綜的完整樣本，涵蓋了所有“應有”的元素。

節目模式也常規到不能再常規：每期節目邀請一位資深歌手與一位新生代音樂人組成搭檔，共同完成一首歌曲的改編與表演，隨后接受評委團與觀眾的評判。

甚至連樂評人，都能總結出人設一覽。

節目第一期選手初登場，樂評人們就開始不留情面地“毒舌”銳評，猛刷存在感。

彩鈴歌手歡子被梁源開炮“過氣”，即便歡子拿出自己萬人演唱會的實績，也被樂評人們吐槽不夠“高雅”，影子更是直接說“哪怕在2009年，我也不會下載你的歌”。

老前輩歡子如此，新人歌手則被批得更狠。

短視頻歌手白小白的作品被樂評人們輕飄飄地總結為“只是幸運地踩中了時代的風口”；

哪怕已經在業界有了不少積累的制作人劉鳳瑤，初次嘗試站在臺前，也被樂評人們質疑更適合幕后。

除了舞臺銳評，在選手的成長敘事中，也是讓歌手唱紅臉，樂評人充當十足的黑臉角色。

比如第五期的選手合作舞臺，節目組將選手分為兩組限時24小時共同創作一首原創歌曲。極限的時間，不夠豐富的經驗，再加上選手之間的默契和磨合不夠，不管是風格年輕的高睿組，還是有制作經驗的劉鳳瑤組都顯得有些無措，節目組理所當然地讓歌手和樂評人們前來指導。

譚維維作為歌手，憑借豐富的舞臺經驗，能給劉鳳瑤組切實可行的編曲建議，也能通過調度讓聲音的銜接更加和諧。

而樂評人梁源雖能看到舞臺問題，但也只是停留在提出問題，對于歌曲編曲和舞臺調度的幫助有限，哪怕在彩排表演時當場發飆，撕了歌詞，罵了選手，選手也只能頂住壓力自己摸索著調整修改。

這也導致，雖然最終舞臺上高睿組相比于彩排有了進步，但樂評人闡述自己的良苦用心時也并不足夠有信服力，真實的矛盾沒有被所謂的“經驗”疏解，反而被壓抑得更深。

而面對這些日益尖銳的矛盾，節目給出的解決方案還是經典“合家歡”。

比如歡子、白小白和梁源的爭吵，最后還是靠岳云鵬、張信哲等一眾“和事佬”打圓場，評委們才借坡下驢，哈哈一笑避開矛盾。

甚至爭議偏移的音樂主題，節目又拿“懷舊殺”去湊。

節目討論度最高的就是歡子等一眾彩鈴歌手大聚首，當誓言的《求佛》、王強的《秋天不回來》、胡楊林的《香水有毒》在舞臺上響起時，評委們也不去談什么“時代風口”和“高雅藝術”，和全場觀眾一起回顧青春記憶，全場懷舊大合唱。

于是，我們看到了一種奇特的節目構成：從主流電視媒體時代走出來的精英樂評人，和所謂不被主流承認的過去彩鈴歌手和現在的短視頻歌手，在同一個舞臺上不斷產生摩擦，卻奇妙地能夠一起“包餃子”。

這直接導致節目的觀感割裂。

我們期待看到的是，不同路徑下走出的音樂人們之間的交流和碰撞，共同推動“有歌”的出現。

但節目看到問題，卻沒有給出結果，依舊按照衛視音綜的常用套路，讓一些本可以深入探討行業問題的爭議，只限于言語的針鋒相對上，而最終又被“大團圓”式的和解所消解。

包裝創新VS邏輯創新

當然，冷眼并不想全盤否定衛視節目。

上星節目的質量保證、穩定的綜藝IP和國民度、經驗豐富的媒體團隊，衛視音綜對于歌手來說依舊是個好選擇，對于電視臺來說也是優質賽道。

但近兩年的行業頹勢，不可避免地也讓衛視音綜有諸多限制，居高不下的版權成本、降本增效的收入壓力、體制路徑下的宣傳要求……讓衛視音綜舉步維艱。

即便如此，衛視音綜也出現了不少的優質節目，像是芒果的《歌手》，江蘇衛視的《音樂緣計劃》，浙江衛視的《天賜的聲音》……這些衛視節目之所以能成為爆款，很大一個原因是實現了“底層邏輯”的創新。

《歌手》就是傳統衛視綜藝和長視頻直播的集大成者。

闊別多年再重啟的《歌手》IP，一回歸就點燃了整個娛樂圈。堅持精品綜藝的手法做好長內容，同時又迎合當下時代偏好，搭建整體的直播內容，讓音樂競演綜藝給人頂級體育賽事的觀感，精準把握音樂與觀眾的互動。

既延續電視臺時代的經驗，保留節目最經典的核心看點，又結合當下的技術和大眾需求，依舊能產生強大的影響力，《歌手》以此證明了長視頻的不可替代性。

《音樂緣計劃》則是搭建一個創作人與歌手需求匹配的平臺。

不愿再在行業下游扮演“裁判”和“秀場”的角色，《音樂緣計劃》選擇進入行業上游，系統性解決“創造性匹配”的問題，讓歌手接觸到更多優質的新歌，讓優秀的創作人不再被埋沒，在水漲船高的版權成本之下，用“原創”形成了多方共贏的良性循環。

即便是備受爭議的《天賜的聲音》，其實也抓住了“明星演繹抖音神曲”的時代風口，帶領一眾音綜走上“熱歌”賽道。

反觀《有歌2026》，看似打造了一個有新意的模式，但這種“新”卻極為空洞。

拿第一季來說，《有歌》先導片中就提出了“出新”的兩重概念：“出新歌”，填補華語樂壇2020年代的音樂缺口；“出新人”，推出2020年代全新的音樂面孔。

出發點是好的，但這兩重出新，節目都沒有讓它們站得住腳。

首先，“出新歌”的重點不在于把歌找出來，而在于把歌推出去。

節目給歌手嘉賓冠以“尋歌官”的title，給競演設置金曲榜的賽制，還是將思維限制在音樂呈現上，但歌曲推出之后如何進入市場，如何讓節目之外的觀眾聽到，卻被節目忽略了。

其次，“出新人”也絕不是讓已經足夠有名的藝人跨賽道、炒翻紅。

像是第一季的宋佳，演員的光環注定了音樂只能成為她錦上添花的一部分，哪怕是和李宇春的合作舞臺，看起來也不像是比賽，更像是跨年晚會的一場表演。

吳克群的參加更是讓冷眼費解不已，出過多首單曲，甚至入圍過金曲獎，作品和國民度均在線，哪怕這兩年沒有那么活躍，也絕對不至于到了“新人”的隊列。

這樣的配置，冠以所謂的“推新人”，反而搶奪了真正屬于新人的光彩，沒有足夠尊重音樂。

也許是第一季的平淡沒有讓節目獲得足夠的聲量，所以第二季節目在賽制上進行了優化，大幅度提升了小考的篇幅與規模，引入“毒舌評委”、“音樂職場”等元素增加看點，更在話題度上開足馬力。

但這種“創新”完全是包裝上的創新，細究內核，依舊是明星合作唱歌、評委點評的俗套模式。

實際上，音綜苦“毒舌評委”久矣。

早年音綜的樂評人，代表著音樂圈的資源，他們之所以評價辛辣，是因為樂評人身負“篩選”重任，他們確實能夠推動優秀的新人往前走，這時候的“毒舌”是有意義的。

但互聯網生態下，樂評人早已不能掌握生殺大權，小眾歌手有自己的圈層，聽眾也有自己的內容品味。流量邏輯替代人為篩選成為市場的新準則，“毒舌評委”的定位就變得尷尬起來，就像歡子、白小白，有聽眾和流量撐腰，樂評人的意見就變得可有可無。

那么，音綜不需要樂評人了嗎？

在冷眼看來，音綜永遠需要行業視角，但樂評人的定位可以不必站在選手的對立面。

音綜遇冷，難出新歌是事實，與其高高在上地指出問題，不如給出切實可行的建議。特別是對于《有歌》來說，節目的目標就是推新歌、推新人，那么在讓作品面對市場前，選手和樂評人應該是一致對外的，最終目的都是給音樂帶來最大加成。

去年的音綜《讓我來唱》雖然數據一般，但樂評人模式的插入卻很巧妙。節目將樂評人定位于選手和評委的中間態，觀眾投票結果產生后，樂評人的選擇可以直接扭轉戰局，既補足了行業觀察的切口，也為節目增添了些許戲劇性，是今年來比較有意思的樂評人“內容植入”。

最后，冷眼還是那句堅持，音綜的本質是音樂。所有的包裝、賽制、話題，都應該服務于音樂的呈現與發展。當一檔音綜開始本末倒置，將沖突置于音樂表達之上時，就已經背離了自己的初心。

《有歌2026》中的諸多爭議，本質上都源于這種背離。